El Monolito

Nos mudamos...

2006-01-15T20:01:00.000+01:00

¡Sí! ¡deja de frotarte los ojos! ¡Es una nueva entrada en elmonolito! Y todo para decirte que si quieres volver a ver mas entradas de elmonolito sobre el cine ... deberás esperar un poco mas ^^

Por ahora ya estamos haciendo las maletas para mudarnos a la nueva dirección, donde en breve irán apareciendo nuevas entradas. Esperamos comprensión, que estamos es una época muy mala para retomar proyectos, pero así somos.

La nueva dirección: http://elmonolito.wordpress.com

¡Permaneced atentos!

A scanner darkly

2005-07-24T14:10:00.000+02:00

A scanner darkly es la próxima película de Richard Linklater, directo también de Walking Life. Se trata de una adaptación de la novela homónima de Philip K. Dick (escritor de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de la que Ridley Scott adapto en la exitosa Blade Runner).

Lo curioso de esta película, y de la anterior del director, es que está grabada con actores reales pero a partir de la grabacion se obtiene una animación muy realista que le da un toque muy peculiar e interesante. Los actores de la película son, entre otros, Keanu Reeves, Wynona Ryder, Woody Harrelson y Robert Downey Jr.

Como curiosidad, Charlie Kauffman (Adaptation, Olvidate de mi, Como ser John Malkovich) escribió el guión para la película, pero el proyecto cambió de manos y ya no se usará el guión. Sólo Dios, y Kauffman, saben que podía haber salido de una novela basada en la experiencia de Dick con las drogas con el toque que Kauffman da a sus guiones.

Si os interesa, podeis ver aqui el trailer, bastante prometedor por ahora pero tendremos que esperar hasta el 2006 para disfrutarla.

Casualidad???

2005-07-11T13:29:00.000+02:00

Natalie Portman en Closer. Scarlett Johansson en Lost In Translation. Pelucas rosas electricas indosadas en dos de las actrices mas prometedoras (bueno, quiza ya nos hayan DEmostrado suficiente), mas morbosas (que miradas!, que labios!) y con la cabeza mejor amueblada a pesar de su juventud: 24 para la primera y 20 para la segunda.

Sexo y muerte

2005-07-11T13:05:00.000+02:00

Hace unos días mi psiquiatra se burló de mí con uno de esos juegos típicos de psicólogos. Del análisis del juego se desprendía que mi concepción del sexo estaba bastante ligada con la muerte. Pero no desglosaré más información sobre mi deteriorada mente, no son asuntos que a nadie puedan interesarle. El caso es que, poco después, revisé unas notas que tenía guardadas y me di cuenta de que Luis Buñuel y Alfred Hitchcock comparten a grandes rasgos mi opinión:

"He encontrado siempre en el acto sexual una cierta similitud con la muerte, una relación secreta pero constante. He intentado traducir este sentimiento a imágenes, por ejemplo, en Un Chien Andalou, cuando el hombre acaricia los senos desnudos de la mujer y, de pronto, se le pone cara de muerto." [El último suspiro, Luis Buñuel]

"Era imposible no ver que todas las escenas de amor estaban filmadas como escenas de asesinato y todas las escenas de asesinato, como escenas de amor. [...] Me pareció que en el cine de Hitchcock, decididamente más sexual que sensual, hacer el amor y morir eran la misma cosa." [El cine según Hitchcock, François Truffaut]

Morgan Freeman da el primer paso

2005-07-08T16:03:00.000+02:00

El veterano actor norteamericano ha fundado una compañia junto a Intel destinada a distribuir películas a través de internet antes de que lleguen al DVD. La compañía en cuestión se llamará ClickStar Inc. Por ahora ningun estudio de Hollywood ha dado el paso de interesarse por este servicio, pero Freeman confía en su repercusión.

Segun ha dicho, los usuarios van siempre unos pasos por delante de las compañías y pretenda evitar que el impacto de la pirateria en la industria del cine no sea tan significativo como lo ha sido en la industira musical (aunque quizá sea demasiado tarde).

Mogan Freeman no es el único interesado en esta nueva forma de distribucion: Steve Jobs, CEO de Apple y presidente de Pixar, siempre ha querido crear una tienda online similar al iTunes donde se puedan bajar películas a una buena calidad y con total seguridad. De hecho, una parte de la culpa de que Apple se pase a Intel la tiene el sueño de Jobs de crear este tipo de tienda, pero eso es otra historia.

En un principio puede parecer que nadie pagaría por algo que puede conseguir gratis, pero viendo el tremendo exito de iTunes (a punto de llegar a las 500 millones de descargas) la balanza se inclina hacia el lado de los que apuestan por el negocio online.

Por ejemplo, ¿no pagaríais 6€ (por poner un precio) por descargarte de forma segura, en alta calidad y de forma estable alguna joya del cine? Si a la idea le añadimos un catálogo donde se conjugue el cine clasico con el moderno, estaríamos ante el sueño de cualquier cinéfilo.

Por ahora solo podemos esperar a que los estudios y productoras empiecen a mirar al negocio online como un aliado y no como un enemigo.

Primer

2005-07-07T18:51:00.000+02:00

Si siempre deseas lo que no tienes, ¿que desearias si pudieras tener todo?

Queria comentar un poco la película que vi ayer (Primer) pero no me sale nada** excepto el fotograma de la película y ua fracesita encima de ella (pura estética bloguera). Mi idea era comentar cosas sobre la película, ¡pero sin que parezca una crítica, ojo! (en el monolito no hacemos de eso). Algunas curiosidades por aqui, unos datos por alla, un poco del argumento...

Por ejemplo, puedo contar que la pelicula está dirigida por Shane Carruth. No te extrañes si no lo conoces, puesto que es un auténtico desconocido. Pero este desconocido ha dirigido, guionizado, producido y protagonizado por sí solo esta, su opera prima, que ademas cuenta con un presupuesto irrisorio, 7000 dolares. No sé si ha tenido que vender su colección de cómics para costearse la película como hizo en su día Kevin Smith con Clerks (6.000 dolares de presupuesto).

Otra idea básica era decir que es una película altamente compleja. Ese tipo de películas que los mortales no tan capacitados intelectualmente necesitamos verla un par de veces o buscar respuestas en los foros. Y no lo digo por decir: se me quedo la misma cara que cuando vi Mullholland Drive (para que os hagais una idea).

¿Y la sinopsis? Cuatro ingenieros pasan su tiempo libre en el garaje de uno de ellos mientras intentan dar con el invento que solucione sus vida, hasta que dos de ellos descubren algo. Y a partir de ahí todo se descontrola (la película y tu cabeza).

¿Pero es buena la película?, ¿es mala? eso ya no te lo puedo decir, deberás leer una crítica o ver la película y juzgar por ti mismo. Pero, eso si, primero debes comprenderla...

**adoro recurrir a esto cuando me siento un inutil a la hora de expresarme. Siempre funciona.

Kim Ki-duk

2005-07-06T13:16:00.000+02:00

Lo descubrí hace un tiempo por recomendación. Fue con La isla, una obra maestra con dos de las escenas más dolorosas de la historia del cine. Poco después, me volvió a sorprender muy gratamente con Primavera, verano, otoño, invierno...y primavera (cuyo sugerente titulo original es: Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom). Y recientemente me ha turbado con La samaritana. Quizás sólo tres películas vistas no sean suficientes para emitir un juicio crítico fiable sobre el director coreano; aún con todo, me aventuraré a desgranar algunos aspectos de su cine.

Kim Ki-duk es un director surcoreano que cuenta en su haber con diez películas en un intervalo de tiempo bastante reducido (la primera fue Crocodile en 1996). Nació en 1960 y como apuntes destacados de su biografía mencionaría el abandono de los estudios a los 17 años (es un autodidacta), el período de 5 años que se mantuvo en el ejército y los tres años que sobrevivió en París (1990-1993) consagrado a la pintura y comiendo de lo que ganaba vendiendo sus cuadros. Esta afición a la pintura queda patente en cada una de sus películas en tanto en cuanto cada encuadre es una composición limpia y equilibrada.

De las tres películas que conozco, Primavera, verano, otoño, invierno...y primavera es la que más hincapié hace en este aspecto. Es ésta una obra hondamente poética, cargada de sentimentalismo y de simbolismo, una historia en la se percibe el olor de la naturaleza y de un espiritualismo pocas veces tan bien retratado, con simplicidad y emotividad. En Primavera... se abordan multitud de temas como el arrepentimiento, el amor, la penitencia, la confesión, la inocencia infantil, el espíritu de superación o el regreso de la primavera. Y todo esto, desde la ausencia casi total de diálogos (2001:una odisea en el espacio se consideraría una charlatana comparada con esta obra de Kim Ki-duk), lo que incrementa aún más si cabe la efectividad del filme. En fin, una delicia tanto de contenido como visual muy alejada de los convencionalismos actuales del cine.

Desde mi punto de vista, Primavera... resume de forma sutil todas las etapas importantes en la vida de un hombre; digamos que se trata de una gran metáfora en la órbita del famoso nacen, crecen, se reproducen y mueren pero entroncada directamente con la religión. Desconozco las creencias de Kim Ki-duk, pero esta obra podría considerarse hermanada con la parábola cristiana del hijo pródigo: pecó, se arrepintió, cumplió su penitencia. Pero no olvidemos el carácter circular de la vida...

Y si hablamos de religión, es inevitable deslizarnos hacia La samaritana, obra impregnada de cristianismo y budismo. Sin ir más lejos, el título que hace referencia a la bondadosa samaritana de la que se habla en el Nuevo Testamento. Si bien, es mucho más llamativo el diálogo sobre Vasumitra y la forma en la que ésta conseguía engrosar el número de budistas hace siglos.

La samaritana narra una historia de prostitución adolescente cuya trama se sitúa en el Seúl actual, lo que contrasta con la ambientación naturalista de los anteriores trabajos de Kim Ki-duk al mismo tiempo que resta gran importancia al efecto pictórico que penetra el resto de sus obras. Se nos muestra un Seúl cotidiano, con sus moteles barriobajeros y sus avances tecnológicos, con el objetivo de dar verosimilitud a una historia que, a fin de cuentas, no deja de ser surrealismo simbólico y paradójico.

La película está dividida en tres significativas partes que reciben los nombres de Vasumitra, Samaria y Sonata y cuyo contenido viene a equivaler al eros, a la violencia y a la reconciliación. Y junto a estos temas, se habla de amor paterno-filial, de aprendizaje vital, de dolor ante perspectivas frustradas, de perversión burguesa o de la evaporación de las relaciones humanas. Y todo con una ausencia total de morbosidad: ningún asomo sensacionalista, absoluta discreción. Las únicas escenas en las que se intuyen desnudos femeninos son aquellas de la purificación en los baños, pero su importancia y simbolismo lo merecen. Y es que en el cine de Kim Ki-duk no abundan los elementos gratuitos tan malditamente extendidos entre aquellos que no tienen las ideas claras, que no tienen nada nuevo que aportar o que no consiguen entender concisamente el proyecto que se traen entre manos.

Orson Wells y la Guerra de los Mundos

2005-07-05T14:11:00.000+02:00

Con el reciente estreno de la ultima de Spielberg, está de moda hablar de la retransmisión radiofónica que hizo Orson Wells en los años 30 en Estados Unidos.

La historia cuenta que Orson Wells narró la noche de Halloween escenas del libro de H.G. Wells y el panico cundió entre la población estadounidense, creyendo que realmente estaban siendo atacados por extraterrestres. Incluso colapsaron las centralitas de la policia. Todo gracias a una brillante representación de personajes, desde ciudadanos preocupados hasta al Secretario de Estado que admitia que "la situación era grave".

Hace poco he leido en Magonia (primero en Microsiervos, donde ya me redirigieron bien ;D) un interesante artículo sobre toda la historia referente a este hito de la comunicación, donde tambien se trata de valorar si realmente causo tanto pánico.

Así despidió Wells a sus oyentes aquella noche:

Hasta la vista a todo el mundo y recuerden, por favor, durante un día o algo así, la lección terrible que aprendieron esta noche. Ese invasor globular, reluciente, que apareció haciendo muecas en las salas de sus casas, es sólo un habitante de la imaginación; y, si llega a sonar el timbre de su puerta y no ven a nadie allí, no crean que fue un marciano... fue el genio travieso que aparece la víspera de Todos los Santos

Cine y literatura

2005-07-01T17:37:00.000+02:00

¡Uy! ¡Qué título más comprometedor! Con los ríos de tinta que han corrido describiendo la relación entre el cine y la literatura: que si los escritores se transforman en guionistas cinematográficos, que si hay películas que no llegan a la suela de los zapatos de las obras en las que se basan, que si de novelas mediocres se pueden extraer películas excelentes, que si algunos actores aprovechan su nombre para publicar cuentos o poesías indignas, y un largo etcétera de temas embarrados.

Me propongo comentar un aspecto diferente: la relación de la literatura con los personajes protagonistas del cine. La cuestión me surgió hace unos días cuando veía Cold Mountain y, en una escena entre Nicole Kidman y Renée Zellweger, la primera leía un pequeño fragmento de Cumbres borrascosas (Emily Brontë): Mi amor a Linton es como el follaje de los bosques; el tiempo lo cambiará; bien lo sé, como el invierno cambia el de los árboles. Mi amor a Heathcliff semeja las eternas rocas que están debajo; es un manantial de escaso placer visible, pero necesario. Estas pocas palabras me hicieron reflexionar que quizás la historia de Cold Mountain hubiese transcurrido por derroteros muy diferentes si Ada Monroe no hubiese leído con tanto fervor novelas románticas como Cumbres borrascosas. Porque al fin y al cabo somos lo que leemos.

Y esta pequeña reflexión me sirvió como pretexto para recomendarle a algunos ficticios personajes algunos libros que quizás hubiesen cambiado sus vidas. Si Charles Foster Kane hubiese leído El principito no habría dejado que se evaporaran sus buenas voluntades y sus sentimientos porque habría reflexionado sobre los hombres ya no tienen amigos porque no existen almacenes de amigos. Si los ladrones de Ocean’s eleven hubiesen leído Tierra de hombres habrían buscado su felicidad por otras vías porque se habrían planteado que no se compra la amistad de un compañero al que me han unido para siempre las pruebas que hemos compartido. El dinero no puede comprar una noche de vuelo y sus cien mil estrellas, esa serenidad, esa soberanía de unas horas. El dinero no puede comprar el nuevo aspecto del mundo después de una etapa difícil, los árboles, las flores, la mujeres. Si el Jake La Motta de Toro salvaje hubiese leído Memorias de Adriano habría aprendido a encajar golpes con menos orgullo porque se habría dado cuenta de que llega el momento en el que el hombre piensa que su vida es una derrota aceptada. Si el profesor Keeting de El club de los poetas muertos hubiese leído la magnífica obra de Hermann Hesse Bajo las ruedas habría sido consciente de que su deber y la misión encomendada a él por el Estado son domar y segar en el joven los toscos apetitos y las fuerzas de la naturaleza, y plantar en su lugar ideales comedidos, tranquilos y reconocidos por el Estado. Si Severine Serizy, Catherine Deneuve en Belle de jour, hubiese leído El último encuentro tendría una visión diferente de la fidelidad porque ¿exigir fidelidad no sería acaso un grado extremo de egolatría, del egoísmo y de la vanidad, como la mayoría de las cosas y de los deseos de los seres humanos? Cuando exigimos a alguien fidelidad, ¿es acaso nuestro propósito que la otra persona sea feliz? Y si la otra persona no es feliz en la sutil esclavitud de la fidelidad, ¿amamos a la persona a la que se la exigimos? Y si no amamos a esa persona ni la hacemos feliz, ¿tenemos derecho a exigirle fidelidad y sacrificio?

Y extrapolando las recomendaciones al mundo real, ¡aprenderíamos tanto si leyésemos más!

Y Dios llegó a viejo...

2005-07-01T17:28:00.000+02:00

Hoy, 1 de julio de 2oo5, se cumple un año de la muerte del inolvidable Marlon Brando. Aquel dia, como homenaje postumo, Carlos Boyero publicó el siguiente articulo en El Mundo:

Nadie ha transmitido en una pantalla el sufrimiento, las cosas del cuerpo y del alma, la sensualidad, la arrogancia con causa, la desesperación, el mal oscuro, la redención, la violencia interna, con tanta intensidad y seducción como este rey voluntariamente exiliado y permanentemente secreto que ha conseguido llegar a octogenario.

Ningún actor ha tenido tantos discípulos (mayoritariamente grotescos) intentando plagiar un estilo y una expresividad intransferibles. Brando no sólo convencía y emocionaba, también hipnotizaba y enamoraba a cualquier tipo de público. El gran narciso, consciente de su poder, a veces se pasaba cantidad y resultaba insoportablemente afectado, pero cuando nos ha entregado algo de sí mismo, cuando se ha respetado a sí mismo, su arte ha conseguido cimas imposibles de superar.

Ese arte consiste en interpretar todo tipo de personajes con sensibilidad, matices, interiorización, complejidad y estilo incomparable.

Sus registros son muy amplios, pero a diferencia de otros camaleones que borran sus señas de identidad de un papel a otro, Brando sigue siendo el mismo, componiendo las máscaras más heterodoxas pero sin querer o poder renunciar a su proteica personalidad. Su gestualidad está sincronizada como una orquesta perfecta, sus movimientos son los de un bailarín, habla con la garganta pero también con los ojos, con las manos, con las cejas, con los hombros, es capaz de expresar las sensaciones más volcánicas con un parpadeo o una entonación.

Está en posesión de algo que va más allá del talento. Es un don natural, algo que no puede aprenderse, ni cultivarse, ni imitar. Se llama genialidad. Las interpretaciones de un Brando en forma pueden ser instintivas o sofisticadas, directas o tortuosas, transparentes o enigmáticas, pero en todas ellas acabaremos sabiendo algo más sobre las luces y las sombras de la naturaleza humana.

Cuentan que la apariencia actual de ese anciano que forjó una leyenda perdurable desde la primera vez que le filmó la enamorada cámara se asemeja a la de un cachalote, que está muy chungo del cuerpo y del alma. Normal. Tiene que ser muy duro sobrevivir al suicidio de una hija embarazada después de que tu hijo se cargara al novio de ésta. Supongo que Brando habrá sufrido en su propia piel los abismos mentales y la desolación que tantas veces interpretó con lacerante veracidad en las ficciones. Y supongo que cuando llegas a esa intolerable familiaridad con el espanto te preguntas por tu responsabilidad en la tragedia de tu simiente y que no puede servir de alivio la memoria de haber sido el más guapo, listo, famoso, rico y deseado, ni la eterna admiración del prójimo, ni los Oscar que aceptaste o despreciaste, ni la ancestral dedicación a todas las causas perdidas, ni la certidumbre de haber revolucionado la interpretación, ni que figures como uno de los iconos más trascendentes y fascinantes del siglo XX.

Varias generaciones de espectadores seguiremos agradecidos a la conmoción y el placer que nos regaló este hombre. Cuidando las palomas aunque su corrupto hermano le vendiera y le entregara un pasaporte al fracaso, rumiando amargura por ser un tullido de guerra y negándose a aceptar la compasión encabezando la revolución con ojos bizqueantes y mostacho mexicano porque los niños tienen hambre y no saben leer, manipulando a la plebe con un discurso maquiavélico para vengar el asesinato de Julio César y tomar el poder, siendo el más chulo y el más macho de todos los motorizados de la historia del cine, enfrentándose en sufriente soledad a la jauría humana que quiere linchar al chivo expiatorio de todas sus miserias, siendo un mercenario del colonialismo con idéntica capacidad para sublevar a los esclavos que para destruirlos en la isla de Queimada, encarnando el anverso y el reverso de un patriarcal, sabio y terrorífico jefe de la Mafia.

Aún no había llegado el «más difícil todavía» del mago sensual y del temible juglar, algo con el valor y el escalofrío de un testamento. En 'El último tango en París' se atreve a mostrarnos sus entrañas. Lo que vemos, oímos y sentimos tiene efectos opiáceos pero también aterra. Es la expresión máxima del dolor, el sexo sin coartadas, el vértigo, la autodestrucción, el acorralamiento interior, la necesidad de amor y su provisionalidad.

Siempre le recordaré con esa imagen, pegando un chicle, viendo amanecer, muriendo en posición fetal.

Buster Keaton busca por el bosque a su novia, que es una verdadera vaca

2005-06-23T17:32:00.000+02:00

1, 2, 3 y 4
En estas cuatro huellas no caben mis zapatos.
Si en estas cuatro huellas no caben mis zapatos,
¿de quién son estas cuatro huellas?
¿De un tiburón,
de un elefante recién nacido o de un pato?
¿De una pulga o de una codorniz?
(Pi, pi, pi.)
¡Georginaaaaaaaaaa!
¿Donde estás?
¡Que no te oigo Georgina!
¿Que pensarán de mi los bigotes de tu papa?
(Papaaaaaaaa.)
¡Georginaaaaaaaaaaa!
¿Estás o no estás?
Abeto, ¿donde está?
Alisio, ¿donde está?
Pinsapo, ¿donde está?
¿Georgina paso por aquí?
(Pi, pi, pi, pi)
Ha pasado a la una comiendo yervas.
Cucu,
el cuervo la iba engañando con una flor de resada.
Cuacua,
la lechuza, con una rata muerta.
¡Señores, perdonadme, pero me urge llorar!
(Gua, gua, gua)
¡Georgina!
Ahora que te faltaba un solo cuerno
para doctorarte en la verdaderamente útil carrera de ciclista
y adquirir una gorra de cartero.
(Cri, cri, cri, cri)
Hasta los grillos se apiadan de mí
y me acompaña en mi dolor la garrapata.
Compadecete del smoking que te busca y te llora entre aguaceros
y del sombrero hongo que tiernamente
te presiente de mata en mata.
¡Georginaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!
(Maaaaaa).
¿Eres una dulce niña o una verdadera vaca?
Mi corazón siempre me dijo que eras una verdadera vaca.
Tu papa, que eras una dulce niña.
Mi corazón, que eras una verdadera vaca.
Una dulce niña.
Una verdadera vaca.
Una niña
Una vaca.
¿Una niña o una vaca?
O ¿una niña y una vaca?
Yo nunca supe nada.
Adios, Georgina.
(¡Pum!)

Rafael Alberti.

Quién mató a Liberty

2005-06-13T12:37:00.000+02:00

Bueno, quizás el título no sea bastante representativo y nuestra respuesta instintiva sea que ha sido Bush el que ha matado a la señorita Libertad. Pero no rondan esos cauces este título sino una película sesentera llamada El hombre que mató a Liberty Valance. Dirigida por aquel insoportable borracho (en realidad, todos los genios están invariablemente locos y son sistemáticamente insoportables) llamado John Ford y protagonizada por John Wayne y James Stewart. Evidentemente, se trata de un western, una película de esas con sudor masculino, olor a pólvora, diálogos con la boca torcida, espuelas plateadas y whisky barato.

Una historia con tres protagonistas: James Stewart como Ransom Stoddard, John Wayne como Tom Doniphon y Lee Marvin como Liberty Valance. Un pueblo del Oeste en el que se entrecruzan los destinos de tres hombres totalmente opuestos. Ransom llegó al pueblo con un morral en el que traía ¡libros!, buenas intenciones, ideales de justicia y un diploma de recién licenciado en Derecho. Pero, vaya, no se le había pasado por la cabeza hacerse con un maldito revólver. A su vez, Liberty vivía asido a su látigo con empuñadura plateada, infundía respeto –perdón, miedo- y sonreía con una seguridad que dejaba traslucir malas intenciones y peores acciones. Por último, Tom, el tipo duro de siempre, con su corazón ya comprado por una joven cocinera y el honor aún intacto. Digamos que se trataba de ver quién era más fuerte, si la racionalidad con ansia de justicia, la represión autoritaria o la honestidad. En fin, una lucha entre el libro, el revólver y el honor.

Pero, como suele suceder en este tipo de duelos con tan cualificado personal, nadie vence. O quizás sí, quien sabe. En cualquier caso, ¿quién fue el héroe que mató a Liberty Valance? U otra pregunta más espinosa, ¿quién murió con Liberty? Porque esa bala que reventó el oscuro corazón del asaltador sin escrúpulos tuvo un importante efecto boomerang en su entorno. Ya nada volvió a ser lo mismo, ni siquiera el western.

“En el Oeste, cuando los hechos se convierten en leyenda, publica la leyenda”.

A contracorriente

2005-06-13T12:26:00.000+02:00

- A mí siempre me gusta ir a contracorriente, no hacer lo que los demás.
- Vos no sabés lo que decís, así te cansás más.

Una española y un argentino. No es un diálogo de una película, sino un fragmento de conversación que voló hasta mis maltrechos oídos hace pocas noches, pero ¿no se podría aplicar a tantos protagonistas de películas o, sobre todo, a tantos directores insistentes, convencidos, revolucionarios, excepcionales? A mi memoria llegan Luis Bunuel (joven con caracter fuerte y cualidades de boxeador profesional), Orson Welles (novillero de joven) o François Truffaut (infancia quebrada y paso por la carcel). Inconformistas que se enfrentaron a pecho descubierto al gran gigante de todo lo establecido.

A proposito de la lista de mejores directores de la historia del cine...

top 40 directores de la historia

2005-06-10T12:58:00.000+02:00

Leo en Blade Runner weblogger que la revista Empire ha publicado una lista con los 40 mejores directores de la historia votados por sus lectores.

Como todo lo sometido a votación popular (minuto de reflexión para recordar la elección de Bush como presidente...), la lista deja bastante que desear en algunos aspectos:

01 - Steven Spielberg * 02 - Alfred Hitchcock * 03 - Martin Scorsese * 04 - Stanley Kubrick * 05 - Ridley Scott * 06 - Akira Kurosawa * 07 - Peter Jackson * 08 - Quentin Tarantino * 09 - Orson Welles * 10 - Woody Allen * 11 - Clint Eastwood * 12 - David Lean * 13 - Los hermanos Coen * 14 - James Cameron * 15 - Francis Ford Coppola * 16 - Oliver Stone * 17 - Sergio Leone * 18 - John Ford * 19 - Billy Wilder * 20 - Sam Peckinpah * 21 - Howard Hawks * 22 - Robert Zemeckis * 23 - Michael Mann * 24 - David Lynch * 25 - Spike Lee * 26 - Francois Truffaut * 27 - Brian De Palma * 28 - Tony Scott * 29 - Fritz Lang * 30 - Tim Burton * 31 - George Lucas * 32 - Anthony Minghella * 33 - Ron Howard * 34 - Sam Raimi * 35 - Charlie Chaplin * 36 - Ingmar Bergman * 37 - M Night Shyamalan * 38 - Peter Weir * 39 - Terry Gilliam * 40 - Robert Altman

El solo hecho de poner a George Lucas por encima de Ingmar Bergman... ¡que coño!, el solo hecho de que Lucas sea uno de los 40 mejores directores me da escalofrios.

Destaca tambien la ausencia casi total de directores que no hablen inglés. Solo se salvan Sergio Leone, François Truffaut, Fritz Lang, Akira Kurosawa e Ingmar Bergman.

Me da que este tipo de listas se inventaron para ser odiadas

Un chien andalou (1929)

2005-06-09T12:25:00.000+02:00

Eran dos genios. Y eran dos revolucionarios. Y dos valientes. Y, además, eran jóvenes. No tenían nada que perder y, de hecho, estaban preparados para una derrota severa con los bolsillos llenos de piedras (o eso cuenta la leyenda). Pero, por el contrario, Luis Buñuel y Salvador Dalí salieron victoriosos del espinoso campo de batalla: su primer cortometraje había encandilado a los surrealistas, recibido la aprobación de la intelectualidad parisina y, sobre todo, escandalizado al público general. No olvidemos que su objetivo consistía, precisamente, en escandalizar al público y provocar en el espectador reacciones instintivas de atracción y repulsión.

El corto surgió de la confluencia de dos sueños: uno que tuvo Buñuel en el que una nube cortaba la luna en dos mitades, como una navaja cortando un ojo, y otro que tuvo Dalí en el que brotaban hormigas de la palma de una mano. La primera de estas visiones daría pie más tarde a la secuencia inicial de la película, ya en la memoria colectiva cinematográfica. El resto del film también es tan rompedor como esta escena descrita debido a que Buñuel y Dalí escribieron el guión con la premisa básica de que "ninguna idea podía comportar una explicación racional". De hecho, Buñuel reconoce "haber escrito que Un chien andalou no era sino un llamamiento al asesinato".

A grandes rasgos, Un perro andaluz representa la decadencia de la sociedad de su época, represora del derecho humano a la libre expresión de sus deseos. Son muchos los temas que se tratan en la película. Y me gustaría transcribir unas líneas de El último suspiro (la biografía de Luis Buñuel) en las que el director explica la relación entre la muerte y el sexo en la película: "He encontrado siempre en el acto sexual una cierta similitud con la muerte, una relación secreta pero constante. He intentado traducir este sentimiento a imágenes, por ejemplo, en Un chien andalou, cuando el hombre acaricia los senos desnudos de la mujer y, de pronto, se le pone cara de muerto".

La riqueza simbólica del corto es realmente admirable. Por ejemplo, la represión sexual que ejerce la Iglesia católica en la moral del protagonista reflejada en los sacerdotes (por cierto, uno de ellos es Dalí) y las tablas de Moisés que arrastra el protagonista al acercarse a tocar a la chica o la obsesión perenne de Dalí con las hormigas. Pero en fin, son tantas las interpretaciones que se han escuchado sobre cada escena. Y, en realidad, no se trata más que de una sucesión de imágenes extraídas del subconsciente, vestidas de sueño y con tintes de hastío y terror. Se cuenta que cuando Geraldine Chaplin era pequeña, su padre le contaba escenas de Un Chien Andalou para darle miedo. O asco.

Either you care or you don’t

2005-06-09T12:24:00.000+02:00

El día era bastante gris. Bueno, blanco, no paraba de nevar. Tenía que coger un vuelo –con el consiguiente desperdicio de tiempo que acarrea, que si dos horas previas, que si vuelo, que si espera al equipaje- y no tenía ningún libro a mano. ¡Ayuda! Compré el periódico para amenizar el día y me tropecé en él con una interesantísima entrevista a la mujer de Stanley Kubrick. Mostraba el lado humano de ese extravagante director de cine desde el punto de vista de una de las personas que más lo conocían. No pretendo reproducir toda la entrevista sino tan sólo la respuesta que más me llamó la atención en tanto en cuanto yo siempre he sido de su misma idea: "su pasión era sacar el máximo de cada tema. Su lema era "si no estás enamorado del asunto, déjalo. Ya hay demasiadas películas mediocres". No sabía lo que era aburrirse. Por eso se encolerizaba en cuanto notaba que alguien no se concentraba al cien por cien en lo que estaba haciendo, y, por ejemplo se ponía a mirar por la ventana. "Either you care or you don’t"[o te importa o no], les decía". Palabra de Kubrick.

O como evitar un suicidio

2005-06-09T12:23:00.000+02:00

Toda vida está plagada de momentos de reflexión en los que se le viene a uno el mundo encima. También a Woody Allen le sucede a menudo lo mismo. En esos momentos, recurro a una de las escenas que más me gustan de su cine. Se trata una escena de Hannah y sus hermanas: "Me hacía falta un momento de tranquilidad para recomponer mis pensamientos, obrar con lógica y volver a colocar el mundo en una perspectiva racional. [...] Entonces comencé a pensar otra cosa: ¡cómo se te ocurre matarte!¡no te parece una estupidez! Incluso aunque lo peor sea cierto, ¿qué pasa si no existe Dios y nosotros sólo vivimos una vez y se acabó?¿No te interesa? ¿No te interesa esa experiencia? Entonces me dije: ¡qué diablos! No todo es malo. Y pensé para mis adentros: ¿por qué no dejo de destrozar mi vida buscando respuestas que jamás voy a encontrar y me dedico a disfrutarla mientras dure? Y después, después ¡quién sabe! Quiero decir: quizá existe algo, nadie lo sabe seguro. Ya sé que la palabra quizá es un perchero muy débil en el que colgar toda una vida, pero es lo único que tenemos. Luego me acomodé en la butaca y realmente empecé a pasarlo bien". ¿Un poco hedonista? Sí, pero algunas veces es la única luz.

Por qué Marilyn???

2005-06-09T12:21:00.000+02:00

¿Por qué se considera a Marilyn el mito femenino más famoso y representativo de todo el siglo XX? Había mujeres más guapas, más sexy, más inteligentes, más sofisticadas, más desvergonzadas. Y, sin embargo, ella es la mitificada. Quizá unas palabras de Billy Wilder nos ayuden a descifrar el misterio de forma divertida:

"Sobre la impuntualidad de Marilyn debo decir que tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?... Además, mientras esperamos a Marilyn Monroe todo el equipo, no perdemos totalmente el tiempo... Yo, sin ir más lejos, tuve la oportunidad de leer Guerra y Paz y Los miserables."

"Me han preguntado si volveré a trabajar con Marilyn, y tengo una respuesta clara. Lo he discutido con mi médico, mi psiquiatra y mi contable, y todos me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico para someterme de nuevo a una prueba semejante."

"Marilyn era un absoluto genio como actriz cómica, con un sentido extraordinario para los diálogos cómicos. Tenía ese don. Nunca después he vuelto a encontrar una actriz así."

"Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la II Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena."

"El problema de Marilyn es que se enamoraba con mucha rapidez. No era la clase de mujer que se supone que debe ser un símbolo sexual, y eso la mató... Marilyn era una mezcla de pena, amor, soledad y confusión."

"Marilyn Monroe era de carne, y se fotografiaba de carne. Tenías la impresión de que bastaba con alargar la mano para poder tocarla."

Jake La Motta (Raging bull, 1980)

2005-05-04T11:19:00.000+02:00

Como el toro he nacido para el luto
y el dolor, como el toro estoy marcado
por un hierro infernal en el costado,
por un varón en la ingle como un fruto.

Como el toro lo encuentra diminuto
todo mi corazón desmesurado,
y del rostro del beso enamorado,
como el toro a tu amor se lo disputo.

Como el toro me crezco en el castigo,
la lengua en corazón tengo bañada
y llevo al cuello un vendaval sonoro.

Como el toro te sigo y te persigo,
y dejas mi deseo en una espada,
como el toro burlado, como el toro.
Miguel Hernández

Fidel Castro enamorado de Brigitte

2005-05-03T11:53:00.000+02:00

Anoche me acerque al cine. Fui solo, como siempre, pero no por elección, sino por descarte. Y no sólo suele suceder que vaya solo, sino que me ha ocurrido alguna vez estar sólo en una sala. Esta vez no fue así: incluso el propietario del piso alquilado en el que me alojo estaba allí.

La pelicula era Comandante, ya estrenada en España hace tiempo por tratarse de una coproducción Espana-USA. Se trataba de un documental dirigido por Oliver Stone en el que se entrevistaba a Fidel Castro durante más de 30 horas. El lado más humano y anecdótico del dictador cubano salía a relucir una y otra vez a traspies entre las preguntas del norteamericano. Este, a su vez, jugaba constantemente con las cámaras y la sensación de escudrinamiento. La cinta estaba llena de imágenes subliminales, como esa en la que una lata de Coca-Cola se ve aplastada en la acera de La Habana. Fidel, con su elocuencia y autoridad de siempre, hablaba pausado desde su admiración de Brigitte Bardot y Sofia Loren hasta del dolor que sintió cuando le informaron del asesinato en Bolivia de Ernesto Che Guevara.

No obstante todas las anecdotas relatadas, lo que más me llamá la atención del documental fue el rocoso idealismo del dictador: su firme esperanza en que el actual desarrollo insostenible mundial cambie de dirección para poder dar cobijo a los proximos más de 10.000.000.000 habitantes que soportará el planeta. Mi escasa fe en la raza humana ofusca mi ilusión y preveo despilfarramiento, como hasta ahora.

Tras su extenuante verborrea, regresé a casa. Alli, hojeando un librillo sobre el comunismo escrito por Máximo Gorki encontre una cita que me recordo el idealismo y la fe en el comunismo del cubano: "¡Los hijos van por el mundo! Yo lo entiendo así: van por el mundo, por toda la Tierra, por todas partes, ¡hacia un mismo fin! Las gentes de mejor corazón, de inteligencia honrada, atacan con firmeza todo lo malo, avanzan, pisotean la mentira con sus pies recios. Jóvenes, sanos, ponen toda su fuerza invencible para alcanzar un mismo fin: ¡la justicia! Van en pos de la victoria sobre el dolor de la Humanidad, se han alzado para eliminar las desdichas de toda la Tierra, van a vencer todo lo monstruoso, ¡y lo vencerán! Nosotros encenderemos un nuevo sol, me dijo uno de ellos, ¡y lo encenderán! Juntaremos en uno todos los corazones rotos, ¡y los juntarán!" (La Madre, 1906).

Un libro absolutamente recomendable para un documental aceptablemente didactico.

Far East Film Festival 7

2005-04-26T16:57:00.000+02:00

Después de visitar la cervecería de Udine, y dar buena cuenta de la calidad de la cerveza local, nos dirigimos a las séptima edición del Far East Film Festival, el festival de cine asiático mas grande Europa.

La verdad es que pensábamos que estaríamos totalmente solos en el teatro donde proyectaban la película. Primero por la sesión, las 00:15, que allí en Italia, que llevan el reloj biológico dos horas adelantado, era una auténtica locura, similar a la de poner aquí una sesión a las 2:15 de la madrugada. Y por otra parte, se trataba de una película surcoreana de artes marciales que llamaba más por rareza que por la calidad que pudiera atesorar. Pero bueno, de la película hablaré mas adelante.

Pero no podíamos estar mas equivocados: el teatro mostraba un aspecto excelente y lleno de gente. Bueno, mas que gente, estaba toda la fauna elitista de Udine y parte de Asia, lo que nos hizo sentir un poco fuera de lugar. No es que fuéramos como mendigos, de hecho íbamos bastante decentes, pero al lado de toda esa gente daban ganas de volver a la cervecería a replantearse la existencia del género humano.

Además del personal presente, la decoración ayudaba a dar esa impresión de festival snob, aunque, debo admitirlo, salí totalmente enamorado de la misma: paredes decoradas con los carteles enmarcados de las películas, una habitación roja llena totalmente de fotogramas sacados de las películas, asientos de plástico hinchable con el logotipo del festival (¡quiero uno!)... todo pensado al detalle.

Después de confirmar que la película era totalmente gratuita (con el citado ambiente, lo dudábamos), tuvimos que esperar un rato a que acabase la anterior película. Ese tiempo lo (mal)gastamos en hacernos sentir a nosotros mismos un poco mas apartados del ambiente: nos empezamos a hacer fotos botando con los sillones. Ya antes éramos los únicos que estaban sacando fotos a todo (sillones, paredes, gente...), pero lo de sacarnos fotos haciendo el tonto con los asientos fue la guinda. ¿Alguien dijo vergüenza?

La película estaba en perfecto coreano con subtítulos en inglés y traducción simultánea en italiano. Para esto último necesitabas unos cascos que amablemente te cambiaban por algún documento de identidad. Así que antes de subir a ver la película, se acercaron a por un par mis dos amigos (puesto que yo en italiano no paso del “ciao bella” y alguna que otra cosa más censurable), especialmente motivados por la chica tan guapa que te los daba (había más, pero solo fueron a por ella).

Ya una vez sentaditos, comenzó la película. Se trataba de una típica mezcla de comedia y artes marciales con un desarrollo y unas situaciones mas que vistos en otras películas e incluso mangas. Me llamó la atención que el ejercito de snobs que llenaba la sala se riera de cosas tan típicas y muchas veces sin gracia de las que hacia gala la película. A pesar de todo, entre las exageradas risas y la acción la película, se me pasó rápida y creo que entendí perfectamente su argumento. Por si os interesa, la película se llama Arahan (Corea del Sur, 2004).

Y ahí acabo nuestra pequeña aventura. Durante estos días el festival sigue (creo que hasta el día 29) con cosas tan interesantes como el Día del Terror que se celebra mañana con la proyección de, entre otras, la segunda parte de Llamada perdida, aunque personalmente había otras que llamaban mas la atención, esa era sin duda la mas conocida. Por desgracia la mayoría de nosotros no seguimos en Udine y el que se queda no creo que pueda ir. Una pena, porque empezaba a cogerle el gustillo a ese ambiente elitista ;)

Freaks: la parada de los monstruos

2005-04-20T10:10:00.000+02:00

Cuando empece a aficionarme al cine, ya con 16 añazos, mi profesor de literatura me prestó una película de terror llamada Freaks: la parada de los monstruos. La cinta estaba en versión original y la imagen dejaba bastante que desear. Supuse que sería una rareza, y lo fue, y lo es, y mucho. Pero no en el sentido de rareza en cuanto a ser un film de la última fila del último estante del que nadie había oído hablar (lo cual descubrí un tiempo después hojeando un libro de cine en la fnac de Zaragoza en el que la incluían como una de las 100 mejores películas de la historia del cine).

La palabra rareza cobra significado en Freaks al topar con sus protagonistas: auténticas atracciones de circo del estilo del famoso hombre-elefante australiano. En Freaks desfilan gemelas microcefálicas, liliputienses, torax vivientes, personas mutiladas del ombligo hacía abajo y muchas otras personas deformes. Como anecdota, se cuenta que durante el rodaje del film, ellos comían separados del resto del equipo, tan sólo el director se atrevía a comer con ellos, pese a tener que vomitar repetidamente al observar el comportamiento de los monstruos.

El argumento narra en flashback la historia de una ex-bella contorsionista de circo que pretendió aprovecharse de sus compañeros los monstruos con el fin de obtener la fortuna que uno de ellos, liliputiense, había heredado. Se trata de una película corta, de poco más de una hora, muy entretenida y cuyos temas principales son la relatividad de la belleza, la venganza y la dignidad de todo ser humano.

La película, dirigida por el reputado director de cine de terror Tod Browning en 1932, supuso un gran descalabro económico para la MGM. Gran parte de su fracaso se debió a la crítica que la consideraba una película grotesca, extravagante, obscena, que jugaba con la aflicción que el público podía sentir al ver a estos personajes tullidos. Aún con todo, la película ha soportado dignamente el paso de los años debido a su carga emocional y poética. Así, ha pasado de ser una película denostada, a posteriormente ser calificada como cult movie y finalmente ser considerada un clásico.

La ciudad del pecado

2005-04-08T21:36:00.000+02:00

Parece que la mano de Frank Miller se ha hecho notar en la creación de la última película de Robert Rodriguez (El Mexicano, Abierto hasta el amanecer...) y está siendo todo un éxito, tanto de crítica como de público. no en vano, esta semana se ha llevado el honor de ser la película mas taquillera en Estados Unidos.

Estamos hablando de Sin City, que está basada en el cómic del mismo título, escrito y dibujado por el ya nombrado Frank Miller. El cómic nos cuenta historias independientes sobre los personajes de una ciudad y es uno de los máximos exponentes de la serie negra, género donde Frank Miller siempre ha destacado.

La película cuenta con un reparto de lujo: Clive Owen, Benicio del Toro, Bruce Willis, Jessica Alba y Elijah Wood entre otros, y nos narra 3 de las muchas historias escritas por Frank Miller. Quienes han visto la película dicen que la adaptación es increiblemente fiel, llegando incluso a rozar la copia de planos vistos en el papel.

El estreno en España está previsto para el próximo 22 de Julio, esperamos impacientes ;)

Quijotera? Golova? Gulliver?

2005-03-31T11:16:00.000+02:00

Estimados drugos, ante la imposibilidad de practicar el sano arte de ir al cine y, posteriormente, comentar juiciosamente (o pasionalmente) las peliculas visionadas, hemos creado este blog como minusculo sustituto de tan gratificante actividad. No pretendemos convertirnos en criticos cinefilos cualesquiera (para eso tenemos a Antonio Gasset o Francisco Marinero) que califican sus peliculas con estrellitas, y ni mucho menos en narradores de tediosas sinapsis, sino en humildes contertulios que muestran sus pasiones cinefilas.

Para comenzar, brindaremos un pequeno homenaje a uno de los directores mas meticulosos de la historia (y eso que ha habido unos cuantos): Stanley Kubrick. Por todos es conocido el escrupuloso seguimiento que realizaba de cada uno de sus filmes: incluido el doblaje o la banda sonora. Asi, el se encargaba de escoger personalmente a los que a posteriori se encargarian de traducir sus filmes del ingles a cualquier otra lengua. Por supuesto, siempre trataba de escoger a escritores de prestigio (razones obvias). Como ejemplo, Vicente Molina Foix tradujo La Naranja Mecanica al espanol. Evidentemente, no se trataba de un trabajo facil traducir el complejo lenguaje nadsat creado por Anthony Burguess para la novela. Asi, como curiosidad, diremos que el gulliver original del nadsat, traducido en la novela en castellano como golova, fue ingeniosamente traducido por Molina Foix como quijotera. A todo esto, gulliver significa cabeza.

Sin embargo, lo que a un servidor jamas le ha quedado claro es como Stanley Kubrick permitio (si es que fue suya la ultima palabra; lo dudo) que tradujesen el titulo de su hilarante Dr.Strangelove or how I stopped worrying and learned to love the bomb al castellano Telefono rojo, volamos hacia Moscu?. Supongo que seria por no encontrar la forma de expresar el nombre del doctor, lo que en italiano han solventado de la forma mas facil posible Il dottor Stranamore ovvero: come imparai a non preocuparmi e ad amare la bomba. Bien es verdad que sobre las traducciones de los titulos de las peliculas han corrido ya muchos rios de tinta.

P.S. Perdon la ausencia de las tildes y de esa letra tan castellana situada en el abecedario entre la N y la O.